“渥克”是個我很早就聽過的劇團。
在我有限（十年）的看戲經驗裡，我很早就聽過“台灣渥克”這個劇團；隨著年歲增長，看的戲越來越多，然後目睹著大大小小的劇團，不斷的消失又不斷的出現．．．而渥克，就好像打不死的蟑螂（請原諒我用這個比喻，我純粹是為了配合這齣戲的內容）一樣，一直存在於劇場之中。
然後，在多年後的這天，我終於進劇場看了渥克的戲。
或許也可以說，我終於看了“傳說中”的“陳梅毛”的戲。
因為他的名字很好記，真的。
《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》是一齣很不一樣的戲（或許也可以不把它當成戲來看待？！）。鴻鴻在節目單裡說，渥克是用遊戲的方式在進行某種批評；這點我不否認。因為台上的一切，在坐在觀眾席的我的眼中，一切都是那麼樣的“不劇場”；不精準的動作、會在台上造成演員陰影的燈光、鬆散的劇本內容．．．很多的東西，其實和我們所熟知的“劇場”是那麼樣的不一樣。感覺上，渥克的戲，似乎是在挑戰（批判？）劇場既有的一切．．．．．
或許有些人，會因為渥克的這種風格和表現，而有所詬病；可是在挑戰劇場既有元素和呈現方式的這點上面，我是很佩服渥克的勇氣的。不安於現狀的一切、挑戰既有一切的行為，不正是許多事物之所以進步和改進的根源嗎？．．．可是，我也不禁要說，渥克的這種表現手法及方式，其實有點“太好騙分”了，而且也並不能夠很成功的和觀眾達成“溝通”的目的。
首先，在“太好騙分”的部份，渥克所使用的一些素材，從髒話和性器官的字眼，到場上的原子小金剛、惡魔人、科學怪人的角色設定，到劇本本身的內容，到導演的手法，有很多東西其實是在丟出來的那一剎那，可能就像摔炮丟到地上，拿發出砰的一聲及閃光，可是在哪之後呢？一陣煙之後呢？卻什麼也沒有留下。以髒話和性器官的字眼運用而言，或許一般人對這些字眼的感覺會很強烈；可是在我看來，那些東西其實不過充其量就是“語言”和“文字”罷了。而《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》中角色的對話，運用了這些字眼，試圖讓這些字眼來呈現出叛逆的氣息和批判的態度．．．但，粗口的運用在劇場（尤其是小劇場）界已經不是稀客了，加上《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》中這些字眼的運用，並沒有和戲本身產生某種特殊的化學作用；於是乎這些字眼的運用，變成只是讓觀眾們看到台上演員所扮演的角色罵著髒話的行為，卻沒有什麼更深刻的意義存在。
在者，舞台上三男一女的演員，三男扮演著原子小金剛、科學怪人，以及惡魔人（日本早期著名漫畫。但，若不是我在國小時玩過任天堂紅白機的“惡魔人”任天堂卡匣，我也不會知道有這麼樣的一個人物）。以三個男性角色而言，編導原用意是要藉由這三個外表看似堅強的男人，然後再挖掘呈現出男人的軟弱的內在．．．雖然在外形的呈現，的確很容易就能夠讓觀眾將場上的角色和自己所熟知的小金剛、科學怪人、惡魔人（這個我比較作保留。我很懷疑現場有多少觀眾知道“惡魔人”．．．）等人物做連結。可是，透過這三個角色長篇的獨白以及內心的秘密分享，雖然屬於他們的軟弱的那一面，演員（or台詞）的確是很清楚的“告訴”了台下的觀眾，可是觀眾是真的“感受”到了嗎？我想並不盡然。因為，我看不到在角色設定時的那一份，非“原子小金剛、惡魔人、科學怪人”不可的原因；或許這三個角色獨特的身份，的確讓他們的故事有那麼一點不同，但那“一點不同”，就只有那麼“一點”罷了。加上渥克的演員，在扮演的方式上本來就不是以“精準”和“powerful”為扮演角色時的特色；在渥克屬於自己的獨特遊戲風格下，卻碰上有那麼些不一樣的角色，造成的結果反而會變成無法突顯出這些角色有什麼獨特的不同（就好像一件事情的嚴重性，往往會隨著人們去看它的眼光而有所不同）。所以，在角色的設定和安排上，我覺得是不夠的；雖然我整齣戲裡，最喜歡的部份，是那個有著木偶動作，然後醒來罵著髒話的白雪公主（因為在這一段裡，她的表演和“批判”的主題並不會讓人覺得討厭；在戲劇動作上也很乾淨，很讚！），可是我覺得編導既然要談“男性的問題”，就不應該只是讓這幾個男性角色在台上進行一長段的獨白，然後把內心的脆弱直接給觀眾看。
除此之外，在劇本的部份，也有些地方太直接了當的將那份“對生命的感嘆”直接呈現在戲當中，然後也是運用帶著感情的獨白，就這樣子的說著、說著。最明顯的兩個段落，就是“大陸偷渡女子被推落海”及“和平醫院抗煞記”這兩段了；在前一段裡，刻意的不開燈，劇場一片漆黑，就這樣子由一個從大陸偷渡來台灣，結果被推下海的女子以第一人稱述說著自己的事。這樣子的手法，雖然的確能夠讓觀眾在一片漆黑當中，隨著女子的聲音，去感受女子自身的感受，進而去思考到“生命”的主題，可是，為什麼就一定是如此的方式呢？為什麼非得要在“劇場”這樣子的空間去運用這樣子的方式呢？（同樣的方式，在“廣播劇”中運用，透過收音機播出，不是會有更多的人接收到嗎？）同樣的情形也發生在“和平醫院抗煞記”的段子裡，雖然舞台上演員做著動作，可是我相信主體仍然是迴盪在空中的聲音。雖然這兩段的聲音，的確有濃厚的情感，也很容易就能夠打動人，可是我覺得這只是在“挑逗”觀眾的感情罷了！在那一刻，我們或許會回想起大陸女子被推落海的這個事件，然後重新去體驗我們剛聽到這個新聞時的嘆息；我們或許會回想起SARS那一陣子，看到新聞畫面上的和平醫院時，所感受到的觸目驚心。但在那之後呢？又留下了些什麼？觀眾真的會因為台上的表演，而重新去正視這些事件嗎？更何況，表演手法又是有些技術犯規地，直接用煽情的感情和聲音去呈現出這兩個事件，進而打動觀眾．．．我看不出來有什麼“非如此不可”的理由，用這樣子直接的方法去呈現；這就好像今天某本書或許很好看，可是我如果要在劇場裡呈現這本書的好看或者要敘述它的主題，絕對不是直接把這本書拿到劇場來，然後唸一唸就算了。
《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》裡面，很多很多零碎的片段；在開始看的前半段裡，我所感受到的，是彷彿看到一幅“拼貼”的畫作。有的人說戲劇不是拼貼藝術，我卻覺得戲劇是百分之百的“拼貼藝術”；導演編劇演員舞台燈光道具服裝造型，這些難道不是人的拚貼？大家的創意一起創作出戲的主題，難道不是idea的拚貼？甚至於劇本的本身，不也是台詞（甚至於可以細分到“字”）的拚貼？只是，雖然我覺得戲劇是拚貼藝術，可是經由拚貼所做出來的作品，卻不一定要有拚貼的痕跡。你的作品可以是完全不露痕跡的，形成了你要做的戲並且呈現出主題（最明顯的例子我想應該就是表演工作坊的《那一夜我們說相聲》了；那不正是大家經由集體即興創作並且刪改增減（拚貼過程）無數次而形成的作品嗎？）；當然也可以是處處都有拚貼的痕跡，然後以一種自然的方式，呈現出你所要表達的“拚貼藝術”。在我看來，渥克應該是屬於後者；可是我所看到的《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》，卻像是在一大張畫布上，我看到了好多的拚貼材料，除了傳統的紙呀布呀什麼的，還看到了沙子、泥巴、竹片、石塊等材料．．．可是這幅畫究竟在說什麼呢？雖然或許從畫上面，可以窺見一二，可是真正的最主題的意義，或許還需要創作者自己出來說明，才能夠真相大白。但是如果真是這樣子的話，為什麼還要有“演出”的這個階段呢？為什麼還要把演出者和觀眾放在同一個空間裡呢？直接由創作者跳出來說明，不是更快嗎？
在《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》裡，有很多很多的片段，可是如果拿掉節目單，拿掉一些對渥克的傳統認知，純粹只從“戲”和“戲名”這兩個地方去看《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》這齣戲，我不知道有多少戲本身想講的東西，是確確實實的從戲當中呈現出來，然後真的傳達給觀眾。編導陳梅毛在節目單中戲稱，自己的確是在閃躲一些東西，但是就算真的“閃躲”了，就算行軍路線再迂迴，也是為了能夠正確攻擊到敵人而設計的。可是，我不禁要懷疑的是，最真正的核心，真的傳達給觀眾認知了嗎？
這或許又要另外談到一個，我在《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》裡面所感受到的；就是我並不覺得《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》的編導陳梅毛，有很強烈的意願想要和觀眾達成“溝通”這件事。或許是因為風格，或許是因為劇本，讓我有這樣子的感覺；可是一齣戲，如果並沒有很強烈的，要和觀眾溝通的那種“慾望”，那麼我覺得你的戲，其實根本不用呈現在觀眾的面前，因為“溝通”本來就是要雙方面的，如果一齣戲做出來的原始動機，並不是要試圖和觀眾達成某種溝通，那麼根本可以不用在觀眾的面前演出；更何況觀眾還是花錢買票進劇場的咧！難道要觀眾花錢花時間進了劇場，然後去“隔著一堵牆”看一齣戲？
關於《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》，上面我談了很多；但儘管負面的意見比正面的意見多，犀利的言詞比動聽的言語多，可是我的本意，並不是要去批判渥克或者批評這齣戲多爛。就某種程度而言，這些話或許可以視為一種“對渥克的挑戰”，一種沒有敵意的挑戰．．．或許渥克每次作戲，講的都是很簡單的東西，也試圖用簡單的方法去傳達給觀眾；可是，越是簡單的東西，你要用簡單的方法呈現在觀眾的面前，不是不可以，只是觀眾就真的知道你究竟想要藉由“劇場”的形式，來說些什麼嗎？關於戲的呈現方式，關於劇場這個型式，甚至於關於渥克自己本身，是不是能夠有多一點的思考呢？
因為在《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》當中，我覺得渥克對於自己的思考，畢竟太少。
劇名：《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》
日期：10/5
時間：7:30
地點：誠品敦南店B2
團體：台灣渥克劇團
在我有限（十年）的看戲經驗裡，我很早就聽過“台灣渥克”這個劇團；隨著年歲增長，看的戲越來越多，然後目睹著大大小小的劇團，不斷的消失又不斷的出現．．．而渥克，就好像打不死的蟑螂（請原諒我用這個比喻，我純粹是為了配合這齣戲的內容）一樣，一直存在於劇場之中。
然後，在多年後的這天，我終於進劇場看了渥克的戲。
或許也可以說，我終於看了“傳說中”的“陳梅毛”的戲。
因為他的名字很好記，真的。
《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》是一齣很不一樣的戲（或許也可以不把它當成戲來看待？！）。鴻鴻在節目單裡說，渥克是用遊戲的方式在進行某種批評；這點我不否認。因為台上的一切，在坐在觀眾席的我的眼中，一切都是那麼樣的“不劇場”；不精準的動作、會在台上造成演員陰影的燈光、鬆散的劇本內容．．．很多的東西，其實和我們所熟知的“劇場”是那麼樣的不一樣。感覺上，渥克的戲，似乎是在挑戰（批判？）劇場既有的一切．．．．．
或許有些人，會因為渥克的這種風格和表現，而有所詬病；可是在挑戰劇場既有元素和呈現方式的這點上面，我是很佩服渥克的勇氣的。不安於現狀的一切、挑戰既有一切的行為，不正是許多事物之所以進步和改進的根源嗎？．．．可是，我也不禁要說，渥克的這種表現手法及方式，其實有點“太好騙分”了，而且也並不能夠很成功的和觀眾達成“溝通”的目的。
首先，在“太好騙分”的部份，渥克所使用的一些素材，從髒話和性器官的字眼，到場上的原子小金剛、惡魔人、科學怪人的角色設定，到劇本本身的內容，到導演的手法，有很多東西其實是在丟出來的那一剎那，可能就像摔炮丟到地上，拿發出砰的一聲及閃光，可是在哪之後呢？一陣煙之後呢？卻什麼也沒有留下。以髒話和性器官的字眼運用而言，或許一般人對這些字眼的感覺會很強烈；可是在我看來，那些東西其實不過充其量就是“語言”和“文字”罷了。而《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》中角色的對話，運用了這些字眼，試圖讓這些字眼來呈現出叛逆的氣息和批判的態度．．．但，粗口的運用在劇場（尤其是小劇場）界已經不是稀客了，加上《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》中這些字眼的運用，並沒有和戲本身產生某種特殊的化學作用；於是乎這些字眼的運用，變成只是讓觀眾們看到台上演員所扮演的角色罵著髒話的行為，卻沒有什麼更深刻的意義存在。
在者，舞台上三男一女的演員，三男扮演著原子小金剛、科學怪人，以及惡魔人（日本早期著名漫畫。但，若不是我在國小時玩過任天堂紅白機的“惡魔人”任天堂卡匣，我也不會知道有這麼樣的一個人物）。以三個男性角色而言，編導原用意是要藉由這三個外表看似堅強的男人，然後再挖掘呈現出男人的軟弱的內在．．．雖然在外形的呈現，的確很容易就能夠讓觀眾將場上的角色和自己所熟知的小金剛、科學怪人、惡魔人（這個我比較作保留。我很懷疑現場有多少觀眾知道“惡魔人”．．．）等人物做連結。可是，透過這三個角色長篇的獨白以及內心的秘密分享，雖然屬於他們的軟弱的那一面，演員（or台詞）的確是很清楚的“告訴”了台下的觀眾，可是觀眾是真的“感受”到了嗎？我想並不盡然。因為，我看不到在角色設定時的那一份，非“原子小金剛、惡魔人、科學怪人”不可的原因；或許這三個角色獨特的身份，的確讓他們的故事有那麼一點不同，但那“一點不同”，就只有那麼“一點”罷了。加上渥克的演員，在扮演的方式上本來就不是以“精準”和“powerful”為扮演角色時的特色；在渥克屬於自己的獨特遊戲風格下，卻碰上有那麼些不一樣的角色，造成的結果反而會變成無法突顯出這些角色有什麼獨特的不同（就好像一件事情的嚴重性，往往會隨著人們去看它的眼光而有所不同）。所以，在角色的設定和安排上，我覺得是不夠的；雖然我整齣戲裡，最喜歡的部份，是那個有著木偶動作，然後醒來罵著髒話的白雪公主（因為在這一段裡，她的表演和“批判”的主題並不會讓人覺得討厭；在戲劇動作上也很乾淨，很讚！），可是我覺得編導既然要談“男性的問題”，就不應該只是讓這幾個男性角色在台上進行一長段的獨白，然後把內心的脆弱直接給觀眾看。
除此之外，在劇本的部份，也有些地方太直接了當的將那份“對生命的感嘆”直接呈現在戲當中，然後也是運用帶著感情的獨白，就這樣子的說著、說著。最明顯的兩個段落，就是“大陸偷渡女子被推落海”及“和平醫院抗煞記”這兩段了；在前一段裡，刻意的不開燈，劇場一片漆黑，就這樣子由一個從大陸偷渡來台灣，結果被推下海的女子以第一人稱述說著自己的事。這樣子的手法，雖然的確能夠讓觀眾在一片漆黑當中，隨著女子的聲音，去感受女子自身的感受，進而去思考到“生命”的主題，可是，為什麼就一定是如此的方式呢？為什麼非得要在“劇場”這樣子的空間去運用這樣子的方式呢？（同樣的方式，在“廣播劇”中運用，透過收音機播出，不是會有更多的人接收到嗎？）同樣的情形也發生在“和平醫院抗煞記”的段子裡，雖然舞台上演員做著動作，可是我相信主體仍然是迴盪在空中的聲音。雖然這兩段的聲音，的確有濃厚的情感，也很容易就能夠打動人，可是我覺得這只是在“挑逗”觀眾的感情罷了！在那一刻，我們或許會回想起大陸女子被推落海的這個事件，然後重新去體驗我們剛聽到這個新聞時的嘆息；我們或許會回想起SARS那一陣子，看到新聞畫面上的和平醫院時，所感受到的觸目驚心。但在那之後呢？又留下了些什麼？觀眾真的會因為台上的表演，而重新去正視這些事件嗎？更何況，表演手法又是有些技術犯規地，直接用煽情的感情和聲音去呈現出這兩個事件，進而打動觀眾．．．我看不出來有什麼“非如此不可”的理由，用這樣子直接的方法去呈現；這就好像今天某本書或許很好看，可是我如果要在劇場裡呈現這本書的好看或者要敘述它的主題，絕對不是直接把這本書拿到劇場來，然後唸一唸就算了。
《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》裡面，很多很多零碎的片段；在開始看的前半段裡，我所感受到的，是彷彿看到一幅“拼貼”的畫作。有的人說戲劇不是拼貼藝術，我卻覺得戲劇是百分之百的“拼貼藝術”；導演編劇演員舞台燈光道具服裝造型，這些難道不是人的拚貼？大家的創意一起創作出戲的主題，難道不是idea的拚貼？甚至於劇本的本身，不也是台詞（甚至於可以細分到“字”）的拚貼？只是，雖然我覺得戲劇是拚貼藝術，可是經由拚貼所做出來的作品，卻不一定要有拚貼的痕跡。你的作品可以是完全不露痕跡的，形成了你要做的戲並且呈現出主題（最明顯的例子我想應該就是表演工作坊的《那一夜我們說相聲》了；那不正是大家經由集體即興創作並且刪改增減（拚貼過程）無數次而形成的作品嗎？）；當然也可以是處處都有拚貼的痕跡，然後以一種自然的方式，呈現出你所要表達的“拚貼藝術”。在我看來，渥克應該是屬於後者；可是我所看到的《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》，卻像是在一大張畫布上，我看到了好多的拚貼材料，除了傳統的紙呀布呀什麼的，還看到了沙子、泥巴、竹片、石塊等材料．．．可是這幅畫究竟在說什麼呢？雖然或許從畫上面，可以窺見一二，可是真正的最主題的意義，或許還需要創作者自己出來說明，才能夠真相大白。但是如果真是這樣子的話，為什麼還要有“演出”的這個階段呢？為什麼還要把演出者和觀眾放在同一個空間裡呢？直接由創作者跳出來說明，不是更快嗎？
在《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》裡，有很多很多的片段，可是如果拿掉節目單，拿掉一些對渥克的傳統認知，純粹只從“戲”和“戲名”這兩個地方去看《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》這齣戲，我不知道有多少戲本身想講的東西，是確確實實的從戲當中呈現出來，然後真的傳達給觀眾。編導陳梅毛在節目單中戲稱，自己的確是在閃躲一些東西，但是就算真的“閃躲”了，就算行軍路線再迂迴，也是為了能夠正確攻擊到敵人而設計的。可是，我不禁要懷疑的是，最真正的核心，真的傳達給觀眾認知了嗎？
這或許又要另外談到一個，我在《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》裡面所感受到的；就是我並不覺得《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》的編導陳梅毛，有很強烈的意願想要和觀眾達成“溝通”這件事。或許是因為風格，或許是因為劇本，讓我有這樣子的感覺；可是一齣戲，如果並沒有很強烈的，要和觀眾溝通的那種“慾望”，那麼我覺得你的戲，其實根本不用呈現在觀眾的面前，因為“溝通”本來就是要雙方面的，如果一齣戲做出來的原始動機，並不是要試圖和觀眾達成某種溝通，那麼根本可以不用在觀眾的面前演出；更何況觀眾還是花錢買票進劇場的咧！難道要觀眾花錢花時間進了劇場，然後去“隔著一堵牆”看一齣戲？
關於《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》，上面我談了很多；但儘管負面的意見比正面的意見多，犀利的言詞比動聽的言語多，可是我的本意，並不是要去批判渥克或者批評這齣戲多爛。就某種程度而言，這些話或許可以視為一種“對渥克的挑戰”，一種沒有敵意的挑戰．．．或許渥克每次作戲，講的都是很簡單的東西，也試圖用簡單的方法去傳達給觀眾；可是，越是簡單的東西，你要用簡單的方法呈現在觀眾的面前，不是不可以，只是觀眾就真的知道你究竟想要藉由“劇場”的形式，來說些什麼嗎？關於戲的呈現方式，關於劇場這個型式，甚至於關於渥克自己本身，是不是能夠有多一點的思考呢？
因為在《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》當中，我覺得渥克對於自己的思考，畢竟太少。
劇名：《沒義氣又怕痛part2：一人命一條》
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時間：7:30
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