只要有心，人人都是劇評

　　走過一九九七年的《夜夜夜麻》，二零零三年的《夜夜夜麻二：驚異派對》，紀蔚然的夜夜夜麻劇本系列終於來到了完結篇。二零零七年，充滿各個世代的《倒數計時－夜夜夜麻完結篇》，終於呈現在觀眾的眼前。
　
　　二零零七這一年，創作社一口氣搬演了這三部曲，我則是在一九九七年及二零零三年便看過這一系列的首部曲及二部曲。猶記得在看完二部曲的當下，我就已經相當期待著未來能有第三部曲的來臨。畢竟身為六年級生的我，實在很想看看人稱紀伯（發音：ㄅㄟ）的紀蔚然，在以四年級生為主的《夜夜夜麻》以及講述五年級生的《夜夜夜麻二：驚異派對》之後，會有什麼樣的作品，來描述身為六年級生的我們？而那又會是什麼樣的一個故事？
　
　　隨著這系列第三部曲－《倒數計時－夜夜夜麻完結篇》的相關演出及宣傳訊息越來越詳細，我發現我似乎必須調整一下我的期待。因為在第三部曲（同時也被定義為完結篇）裡，講述的並非屬於某個特定世代的故事。看看角色的組合，除了貫穿系列作的人物，身為四年級生的山豬，加上在二部曲出現的，五年級生的大牛。以及新角色張飛（五年級生）、傑瑞與波羅（六年級生）和小恬（七年級生）……在《倒數計時》裡，故事的角色跨越了四個不同的世代，和首部曲及二部曲的設定，顯然有所不同。
　
　　這倒也無妨，反正戲好看最重要，也沒人規定三部曲的設定方式非一樣不可。加上紀伯本來就沒有要求系列作之間一定要有所謂的連貫性，三部曲更是每一部作品都是不同的導演，倒不如就安心的坐在劇場裡，看看這次身為夜夜夜麻第三部作品的《倒數計時》，究竟葫蘆裡賣的什麼藥。
　
　　於是，七點半一到，燈暗，幕起，觀眾隱約看見台上的一些陳設，背景開始響起許多種不同的音樂。不同年代以及風格的歌曲或音樂，在劇場裡流動著，當下給我一種「混亂」的感覺。
　
　　是了，「混亂」。這混亂並非是雜亂無章的那一種，而是鮮明的替這齣戲的故事下了一個註解：這是一個混亂的年代，各個不同世代的人摻雜在一起，並且彼此互相交流著。夜夜夜麻一談論的四年級，以及夜夜夜麻二談論的五年級，加入了六七年級，全都摻在一起做成了撒尿牛丸…呃，我的意思是，形成了《倒數計時》這齣戲。
　
　　不同年代出生的人們，因為一個跨年的事件而聚集在一起，創作者用他的觀察力，提出了對這個社會的觀察以及思考。開頭那段混亂的音樂，清楚的替這齣戲故事背景裡「混亂」的本質下了一個定義。但是在混亂的背景之餘呢？究竟在這樣的時空氛圍之下，這些人發生了什麼樣的故事？而這故事又在訴說著什麼？坦白說，關於這些，從《倒數計時》這齣戲裡頭，我是有些看不太到的。
　
　　綜觀整齣《倒數計時》，其實我並不是很喜歡這齣戲。這戲對我來說有些遙遠，而且我很清楚，這遙遠並非來自於夜夜夜麻系列，或《倒數計時》一齣戲裡所要講述的「疏離」主題。更精確一點的說法是，我看不到創作者究竟想要透過《倒數計時》對觀眾說些什麼？即使在這齣戲裡，紀伯的文字與台詞依然精彩洗鍊，符宏征在視覺上面的處理也相當的寫意而美麗，但是其他的呢？撒尿牛丸至少也融合了牛肉丸的鮮以及撒尿蝦的甜，但融合了各個世代角色的《倒數計時》，卻彷彿連應該屬於各個世代的故事與背景都不見了。所有人聚集在台上，以一種無奈的狀態，等待著倒數計時的跨年到來，然後同樣的無路可出。
　
　　事實上，在我看來，角色所處的狀態不只無路可出，也幾乎是面臨了無話可說的窘境。當然這裡所說的並不是角色真的在舞台上沉默了，既然是紀伯的作品，當然也不可能讓角色沉默太久不說台詞。這裡所說的無話可說，指的是角色與角色之間似乎沒有太多的交集。在《倒數計時》裡，雖然設定了「跨年」的共同背景，但世代與世代之間，卻缺少了如同首部曲以及二部曲裡，關於彼此之間「那個」年代的共通話題。這樣的結果，讓角色之間的對話顯得有些零散，不像之前系列作裡，角色之間可以有某種「主題」在進行對話，並且成為推動戲的主軸力量。
　
　　這種力量，在首部曲以及二部曲裡相當的顯著且有力。在《夜夜夜麻》裡，我們看到打麻將的這些四年級生，集體用屬於他們世代的眼光，然後用力批評訐譙了他們眼中的社會與週遭的人事物。在《夜夜夜麻二：驚異派對》裡，我們看到這些屬於學運世代的五年級生，一邊講述著屬於他們這個世代的無奈，卻又忙著卡位以及熱衷於政治之中的宿命。但是到了《倒數計時》，這種集體的討論動力，被分散簡化成為每個角色內在的動機：傑瑞等待著小恬的e-mail回覆，大牛希望傑瑞借他錢，波羅希望小恬跟他離開這個無聊的地方……雖然話題偶有交集，卻像是不同世代的人在那裡各說各話，各自表述的結果讓討論主題沒辦法如同剝洋蔥一般逐漸看清楚真相，討論沒有交集的結果，終究是讓各個角色到最後，回歸到「等待」的故事主軸。不管是等待他人達成自己的期許，亦或是等待著跨年到來的那一刻。
　
　　這種「等待」所呈現出來的結果，讓台上的《倒數計時》，充滿著一種詭譎的無力感。當然這種充滿無力感的氛圍很貼近現實，可是在劇場裡重現「現實」之餘的意義又是什麼？創作者又希望藉由這樣的「背景」和觀眾述說什麼樣的「主題」呢？
　
　　可惜的是，這樣的「背景」，在《倒數計時》裡似乎等同於「主題」，台上所發生的一切比較偏向於只是呈現出這樣子的「現象」而已，在現象的背後，卻缺少了更深一層的描述以及探討。縱使在《倒數計時》裡還是有一些關於這方面的討論，但是如前所述，話題過於分散的結果讓這樣的探討過程顯得有些勢單力薄，於是我們也就難以對台上的角色產生共鳴，去同情他們的處境，甚至於看清台上所有人面臨的窘境，其實正是我們生活裡的遭遇。
　
　　因此，劇末裡張飛喜歡上山豬的情節，並不能夠替我們在無力感之餘對未來帶來一絲希望，反而更像是創作者在對現實悲觀之餘，所「安排」的某種憐憫與救贖。而在山豬與張飛的角色情感未充份建立之下，兩者之間的情誼也未免顯得有些失真而無法被人信服。在《倒數計時》裡，對於角色的描述實在太少，我們無法像首部曲或二部曲一般，從台上這群人口中所談論的共同往事裡看到屬於角色的過去與現在，進而感受到他們的情感。在這樣的情況下，導致每個人在台上的面貌是有些模糊的，我們不懂張飛為何會因為山豬救了自己一命就喜歡上他？我們也不懂小恬之所以選擇了傑瑞和波羅以外的人又是為了什麼？在《倒數計時》裡，情感的走向變得偏向較細膩且溫柔，但這細膩與溫柔的情感卻在《倒數計時》裡找不到施力點，而無法像前兩部系列作品裡，那種男子漢間的情感一般大鳴大放。
　
　　和前兩部系列作品相比，《倒數計時》顯得相當的不一樣。除了前面所提及關於世代的組合之外，《倒數計時》也有許多部份和前兩部系列作品是相當不同的。像是前兩部裡幾乎清一色為男性角色（首部曲有Rose一角，但幾乎為客串性質），《倒數計時》裡則多了張飛及小恬兩個女性角色，而且戲份還不輕。前兩部裡，「過去」扮演著極重要的角色，但在《倒數計時》裡每個人卻是在等待著「未來」的到來。而比起前兩部所充滿的男子氣慨，《倒數計時》所呈現的也不再是那麼的「Man Power」，而是呈現出一種較為柔和與溫暖的氛圍。
　
　　這些不同於前作的改變，反而成為《倒數計時》對於某些細節不夠精準的重要關鍵。前較於前作對男性情誼的精準描寫，到了《倒數計時》裡，針對男女之間情感的描述，便顯得有些不夠深刻。而那些無法在《倒數計時》裡被談論的「過去」，即便用了一個關於「未來」的跨年主題來代替，彼此之間的話題也仍然很難替戲帶來足夠的推進動力。在前作中，創作者可以透過強有力且直接的語言，不管是髒話或是男性間粗聲粗語的溝通方式，來大聲的抒發自己的想法，一旦來到《倒數計時》裡，那溫柔的話語就顯得有些不知道怎麼說出口。像是一個極其擁有男子氣概的男子漢，在自己心儀的女子面前，反而變得吞吞吐吐一般。
　
　　這樣的狀況，不禁讓我想起一九九九年時觀賞同樣是紀伯作品，也是由創作社所搬演的《一張床四人睡》時的經驗。《一張床四人睡》是一齣關於愛情與性的戲，可是在看完的當下，我卻無法從中理解這戲與愛情之間的連結。直到在節目單裡看到紀伯坦言自己不太懂愛情的字句之後，我才多少了解那看完戲的違和感究竟是什麼。坦白說，我在《倒數計時》裡感受到了類似的問題，縱使紀伯的文本台詞仍然推疊的相當完整精彩，可是在精彩文字的背後，關於人性情感的描寫，多少也因為創作者對於描寫對象及主題的不熟悉，而顯得有些不真實了起來。
　
　　在我看來，《一張床四人睡》所擁有的問題，多少也發生在《倒數計時》裡新出現的，那些六七年級生角色的身上。四年級生的山豬，姑且可以從系列作看到這個角色一路走來的痕跡，五年級生的大牛也可以從《夜夜夜麻二：驚異派對》和《倒數計時》裡看到他的大起大落。即便是新出現的，和大牛同為五年級生的張飛，也可以因為她某種獨立及霸氣的人格特質來讓角色變得更立體些。可是相較之下，傑瑞、小恬、及波羅這些年輕世代的角色描寫，就顯得有些霧裡看花，我們也怎麼樣都看不到這些角色更深層的想法與思考。
　
　　在節目單裡，紀伯提及針對各個世代的描寫，他只能夠試圖去抓住精神，無法通盤的去考慮個案或例外，創作者也無法抱著試圖全面公平的心態去寫作。關於這些，我是同意的，只是在《倒數計時》裡，創作者在描寫這些年輕世代人物所抓住的「精神」時，終究沒有讓這些角色成為一個具有代表性的「人」。屬於人的情感或想法，在《倒數計時》裡的角色身上並沒有被充份的建立，反而使得這些角色看來有些不夠完整。故事的本質是混亂，但這些角色處在其中，卻呈現出一種「亂」而不「混」的狀態，難以與其他的角色產生某些互動或融合。某種屬於角色本身的失真，也讓《倒數計時》一戲所要呈現的「疏離」主題，在此刻變成了觀眾看待角色時所產生的「距離」感，真正應該藉由《倒數計時》一戲所描述的主題，也就因此無法突顯出來。
　
　　不諱言的，《倒數計時》仍然是齣精彩的戲，紀蔚然的文字、符宏征在視覺上的處理、演員的精彩演技、舞台與燈光在台上所呈現的美麗，這些都是這齣戲的優點。但這些優點，卻仍然無法讓我喜歡《倒數計時》這齣戲。對我來說，《倒數計時》就像是一場美麗的跨年倒數煙火，或許這場煙火替張飛以及山豬帶來了某種對未來的希望，可是對我來說，在那燦爛奪目之後，並沒有留下些太多的什麼。我相信創作者想透過《倒數計時》所說的，對於這個世界的關懷，絕對比《倒數計時》戲裡所呈現的要來得多上許多。只可惜身為觀眾的我，能夠從《倒數計時》這齣戲裡看到，甚至於帶出劇場的，終究還是少了一些。
　
　
■ 觀戲資料 ■
劇名：《倒數計時－夜夜夜麻完結篇》
團體：創作社劇團
日期：2007/11/25
時間：PM7:30
地點：台北市社教館城市舞台
票價：NT$720

寫在前面，
由於《影癡謀殺》是一齣推理走向的演出，
以下內容將會談論到一些推理的過程及結果，
由於有洩漏劇情之慮，
故請自行斟酌是否要閱讀本文，謝謝:)
=====================================
　　很早就知道，有《影癡謀殺》這麼樣的一齣戲。
　　忘了是在哪一份刊物上提到的，指出《影癡謀殺》獲得國家文藝基金會的補助。當時還沒有演員陣容及製作群的名單，可是光看到是紀蔚然編劇，又是這麼樣一齣從劇名看起來相當具「推理劇」（但紀伯稱之為「偽推理劇」）感覺的戲，不管怎麼想都令人期待。畢竟在劇場鮮少有以「推理」為題材的演出，且又是紀伯執筆，加上在演出前夕公佈的亮麗演員陣容，更令人期待《影癡謀殺》會是一齣什麼樣的戲。
　　整體上來說，我是相當喜歡《影癡謀殺》這齣戲的，紀伯精鍊的文字在劇本當中仍然有一定水準的表現，可是和以往不同的，我卻發現除了文字本身的精鍊之外，《影癡謀殺》其實更多了許多比以往作品更可內在挖掘探討的部份。不管是劇中將警察、犯人交錯放置於偵訊室、觀察室的安排，以及那雙面鏡的意象，劇本中有許多東西可以讓我們不斷的去切換自己看事情的角度，於主動和被動之間進行切換。窺視與被窺視、偵訊與被偵訊、推理與被推理…無怪乎紀伯要說這是一齣「偽推理劇」，因為在《影癡謀殺》的故事當中，「推理」的故事及形式只是一個故事進行的方法，在這個故事裡，我們要去「推理」的並不見得是兇手究竟是誰；雖然《影癡謀殺》的確放進了一些推理的過程，包括張小萍在白板上分析七名被害者的共通點及影片，神探企圖利用激將法使三名嫌犯自白，乃至於最後發現真正兇手的緊張感等等，都是《影癡謀殺》當中存在的「推理劇」要素。但事實上，就如同紀伯所說，這部戲的確是「有推理的樣態但沒有推理的神髓」，因為《影癡謀殺》最根本要呈現的並不是兇手是誰以及兇手如何犯案的「精彩」過程，故事本身的精彩，來自於《影癡謀殺》文本從一般推理劇中兇手為了肯定自我存在而殺人的動機，延伸到關於自我存在與省思的主題。就像推理劇在結局公佈前，人人都有可能是兇手，那麼我們是不是人人也可能都像兇手一樣，需要去肯定自我存在的價值呢？
　　就如同張小萍一角在002場所說的最後一句話：「我不知道我在這裡幹嘛」一樣，《影癡謀殺》藉著刑事案件發生的推理過程，更讓我們轉過頭去思考自己及別人的存在。當嫌犯對著那無形的雙面鏡做出許多動作時，他們所面對的究竟是鏡中的自己還是另一面的警探？而警探和嫌犯這種二元對立的關係是否又能夠如此清楚的劃分二者的不同？或許在表面上來看兩者大不相同，但同是兩男一女的警探對上兩男一女的嫌犯，其內在的本質與存在意義是否是有可能相同的呢？所以，小張在射殺兇手之後竟變得如吳思華一樣終日至PUB獨自喝著酒，天知道他是不是會對其他女子說出和吳思華一樣的言語？而張小萍竟也意外的如同陳文生口中所說，到國外去接受一些異國的事物而進行某種「換血」的交流過程…我甚至在想，會不會在小張的心中，其實對吳思華有某種「同病相憐」存在？小張在尋找自己的綽號（或者是某種自我定位），吳思華在PUB做著會不會有人來理會自己的實驗（或許是要藉此證明自己的存在是有意義的）；當小張從張小萍的手機裡聽到小萍和吳思華持著刀衝進屋裡的對話時，為什麼他射殺的是手裡沒有槍的Coco而不是手機裡聽到聲音的吳思華（當然這部份也可解釋成小張並沒有聽到手機裡吳思華的聲音）…辜且先不論這部份的真正含意究竟是如何，但《影癡謀殺》中，關於自己、關於存在、關於自己存在的定義等等思考，我覺得都很成功的突破了台詞本身的犀利，並且利用這樣子的「推理劇」形式，而讓我們能夠對自己往內在進行推理，加深往劇情內部深處思考及發展的可能性。
　　另外一提的是，我其實相當喜歡導演周慧玲在這齣戲裡面的安排。我對她其實有些陌生，看過她導的戲也僅止於《影癡謀殺》及前一齣的《驚異派對－夜夜夜麻２》，但從文本到現實呈現的過程，有許多的安排讓《影癡謀殺》這整齣戲立體了起來。像是多媒體的運用（包括事先在網路上公佈關鍵影片檔）、幾個利用演員營造畫面及推動劇情的呈現（像是三個嫌疑犯被張小萍識破偽裝刑警身份時做的一致性後向閃避的動作所營造出的畫面）、乃至於對於劇中一些事情的合理及真實化（我尤其喜歡那神探專用的符號XD：當那兩個大圓圈畫上去時，身為觀眾的我便恍然大悟神探在白板上的圖畫並不是鬼畫符，數個男女性別符號♀與♂在共用同一個圓圈而形成的複雜關係，正符合神探關於殺人兇手是與「性」有關的推論…這部份真的是神來之筆！XD），都讓《影癡謀殺》本身不僅是一齣單純的（偽）推理劇，人是誰殺的、究竟怎麼殺的、為什麼要殺，這些在一般推理劇所極力營造的，並不是《影癡謀殺》最主要的重點（也難怪紀伯會說這部是「偽」推理劇…）而周慧玲則在文本的基礎上，讓《影癡謀殺》內在真正想說的部份能夠呈現出來，而不是只讓觀眾純粹享受推理的過程，在這點上面我是覺得相當給予肯定的。
　　不過，不知道是否是導演的策略，抑或是那天演員的狀況（乃至於劇場術語中所說的，所謂演出時的「氣」）不佳，我反而覺得《影癡謀殺》在演員上的表現不如預期。《影癡謀殺》中的幾個演員都是我所熟悉的（包括對劇場界觀眾可能比較陌生的張詩盈），我很清楚他們能夠在一齣戲裡做到什麼樣的程度，在一個角色上能夠得到多少分，可是在那一場的演出裡，大部份（但不是全部）的演員卻給我一種「意猶未盡」的感覺，總覺得很多地方該得分卻沒有得分；並不是演員不用心去演，也不是表演的不好，可是當你知道他們最起碼能夠有95分以上的實力，卻只看到近80分的表現時，難免會有些失望。在《影癡謀殺》中，其實有許多地方是很有表現空間的，不光是笑點的部份，有時候是一些關鍵詞句的加強；可是在那一場的演出裡，卻看到一些很不錯的笑點（像是神探那句「他現在在即興」）或者一些key word（例如張小萍那句「我不知道我在這裡幹嘛」），都沒有張滿了弓，而射出飽滿的一箭。我曾經想過這有沒有可能是導演的指示，避免讓過多所謂的「笑點」使得觀眾笑聲蓋過了《影癡謀殺》真正想要說的東西，但若真是如此，那微妙的平衡並沒有在我所看的這一場裡完成…不過實際上，我自己對於這種「導演策略」的想法其實認為可能性極低，我反而比較純粹的感覺這場似乎是演員的「小魔鬼場」，因為除去演員在角色上未得分的部份，我還看不到演員和演員之間「丟球」的動作－關於角色和角色之間的互動對於戲劇本身的推力，我始終看不太到。
　　當然上面談到的是針對演員整體表演給我的感覺，免不了還是想針對各個演員來說說我的感覺。徐華謙飾演的「神探」，是一個明明結了婚卻在外包二奶、並且有著強烈偏執狂（包括對語言的計較）且還帶點「本土」的警員…相較於其他角色，其實這個角色在這些方面都是很有可塑性的，但我卻覺得徐華謙在這些部份並沒有得到太多的分，並且讓整個「神探」角色鮮明的浮現出來，反而只是看到一些還是屬於「徐華謙」本身的東西。當然！從「演員」本身的表演質地出發的確是表演上的方法之一，但我感覺在「神探」這個角色上，徐華謙其實有意往「角色」的內在發展，只是在那天的場次裡，終究沒有成功的把神探的形塑造出來，有些可惜。Fa的部份表現雖不亮眼，但我很喜歡他在這齣戲裡的表演。Fa在表演上有屬於自己的一種特別調性，那是一種令人感覺安定的表演方式，而在這齣戲裡的「陳文生」乃至於其他幾個角色，我覺得Fa的表現都相當的不慍不火，該做的角色區隔也都有做出來，感覺很讚。吳世偉的部份，有點像一盞互明互滅的燈，幾個地方（像是序曲裡憑空觸摸意淫Coco臀部的動作）表現的很讚，有些地方卻覺得這個角色突然間平板了起來…或許就像其在節目單上說的，這個角色在表演上最困難的是要在5秒內達到100km/hr的極速，而在《影癡謀殺》中，在某些地方吳世偉的確達成了這個艱難的任務，但有些地方則不免覺得有些引擎在空轉的感覺…金勤的部份，不知道是不是因為角色上的限制，使得「小張」這個角色變得有些平凡（不過這也不能怪金勤，小張的設定本來就是個平凡菜鳥呀！），而沒有太多令人印象深刻而能夠被拿出來討論的部份（我印象最深刻的反而是演員那姆指上的傷，以及在激將法前的那個「快速暖身」！XD）。黃小貓的表現，反而是《影癡謀殺》裡比較讓我驚艷的部份。過去在黃小貓身上看的到的一些表演上的問題，像是音量（猶記在《交界》的《貓狗婆婆》裡聽她聲音聽得非常吃力…）之類的問題，在這齣戲裡已經獲得相當的改善。而當黃小貓（張小萍）往台上一站時，不論是能量或者演員本身的表演，都讓我看到了屬於這個角色的「光」，當張小萍往台上一站，我感覺自己和台上的連結是很完整的被建立起來的…在這一點上面，是一定要給黃小貓拍拍手的。而張詩盈的部份，或許她的名字對劇場觀眾有點陌生，但對我而言，她是我一直相當期待的一個演員：我曾經看過她在學校期間所製作的畢製劇碼《HERE》及聯合畢製《喃喃》中其獨自呈現的《看見》，前者讓我見識到了她在演技上的展現，後者讓我見識到了她對於自己所學專業的自我省思，兩者都讓我很期待她在劇場（或者廣泛的戲劇界）能夠有些什麼樣的作為。這次很高興在《影癡謀殺》中再度與她重逢，而她的演出也仍然沒有讓我失望，不論是角色內在的飽滿或者外在的表現，都達到一個專業演出應有的水準，在這一點上，我覺得是相當了不起的。
　　整體上來說，我還是相當喜歡《影癡謀殺》這齣戲的，雖然在演員的部份總覺得有些不滿足，但整體的表現仍然是在水準之上的。對我而言，其實我最高興看到的是紀伯這次的劇本似乎又走出了一種不同的風格；或許這次的每一句話每一句台詞並不如之前某些作品般犀利而尖銳，但卻是很成功的運用其他不同的方法而說了另一個故事，並表達了想要闡述的主題。期待紀伯的下一本劇本，也期待著創作社下一次的作品。
　
　
劇名：《影癡謀殺》
日期：2005/5/10
時間：7:30
地點：國家戲劇院實驗劇場
團體：創作社

　　1997年，創作社推出第一個作品，也就是《夜夜夜麻》。而在六年之後，創作社推出了第十個作品，也就是《夜夜夜麻》的第二集－《夜夜夜麻2：驚異派對》。其實我在想，依照有一就有二、有二就有三的原理，以及近來在電影界的風潮（魔戒三部曲、駭客三部曲、無間道三部曲…），《夜夜夜麻》究竟有沒有可能成為三部曲，甚至於在四年級、五年級之後，《夜夜夜麻3》會不會是個講述「六年級」的作品，我相信應該有些人和我（六年級）一樣，也感到好奇以及擁有一種莫名的期待。
　
　　但是，先不提《夜夜夜麻》究竟有沒有可能發展出第三集，在這篇文章的一開始，我想要討論的是關於《夜夜夜麻》和《夜夜夜麻2：驚異派對》之間的關係。表面上看來，《夜夜夜麻2：驚異派對》似乎是續集之作，可是我覺得在故事的主軸及想要講述的事情上，其實已經和前作有所不同（就算前作中的主角－山豬出現在這個故事裡也一樣）。而其之所以為「續」集的原因，在於所切入的角度都是以某一年級的人物為主軸（《夜夜夜麻》是四年級，《夜夜夜麻2：驚異派對》則是五年級），然後講述他們所遭遇的事，以及面臨的難題，藉以帶出主題。
　
　　關於前作的《夜夜夜麻》，由於年代久遠，當年的節目單上所記載的也有限，因此我只能憑藉著回憶來回想。當年的《夜夜夜麻》，我相信很多人和我所擁有的共同記憶，就是記得台上一個又一個精彩的髒話；在《夜夜夜麻》當中，髒話在劇場裡不再只是因為它很特別或很夠力，而是真的能夠玩出一些精彩的花樣。而在《夜夜夜麻2：驚異派對》中，關於在語言方面的運用，則從髒話轉換成精準的文字／詞或同音字的運用，甚至於不同語言之間的轉換（surprise＝驚奇or驚喜or驚異？…）；編劇紀蔚然在語言和文字上玩弄時的精準，在《夜夜夜麻2：驚異派對》演出的同時，可以很輕易並且明顯的感覺到。
　
　　除此之外，《夜夜夜麻2：驚異派對》的故事線進行方式也是我很喜歡的。整個故事的架構有一條最主要的幹線在進行著，所有的故事發展都隨著時間而由前往後發展著（如果不考慮「倒帶」的設計的話），然後在故事往前走的同時，看到整個人物和人物之間的關係。彷彿看到一棵大樹，慢慢的往上長，然後枝葉茂盛，長出青翠的葉子，並且開出美麗的花來（當然樹通常不會開花，我是在打比方）。整個平鋪直敘的方法，帶領著觀眾順著劇情往下走，並且了解台上每個人物之間的關係，以及彼此之間所發生的事，而又能夠從中述說一些作者想要傳達的意念，在這一點上，我覺得是很不錯的。
　
　　而如果充滿紀蔚然式的精準語言和文字特性的《夜夜夜麻2：驚異派對》的劇本，是一隻千捶百鍊的標槍的話，那麼導演周慧玲的處理，無疑就像是一個運動選手用了我們意想不到但卻精彩的方式，將這隻槍射了出去並且一槍中的。我相信看過《夜夜夜麻2：驚異派對》的觀眾，應該都對所謂的「倒帶」的設計印象深刻；我並沒有買劇本，所以並不知道這個部份的設計究竟是編劇的原意還是導演的安排。可是導演在這個動作及畫面的安排調度上，很成功的將「倒帶」的意境呈現出來。我覺得表面上看來，《夜夜夜麻2：驚異派對》似乎是在講述著五年級的宿命，以及關於「卡位」這件事。劇中的大牛如是說：「四年級的想卡可是沒有位子卡，六年級的想卡可是沒有能力卡。」可是當台上的角色一再重複自己說的話，重複相同的對話和動作時，我們不禁要開始懷疑：究竟問題是出在「卡位」還是「卡住」？五年級所遭遇到的壓力和所面臨的處境，或許並不應該從那個「點」來看，而是應該要從整個「面」來想？當他們議論著前作《夜夜夜麻》中的馬克、詩人、山豬等人的狀況和問題時，他們是不是也同時有著和他們一樣的問題？在導演周慧玲對整齣戲的安排調度下，我所感受到的身為五年級的處境，倒不見得是他們眼前所遭遇的那些問題，而是他們一直處在一種被「窺視」的狀態；有太多太多其他年級（甚至於五年級本身）的人，正在等著看他們會怎麼做、要怎麼做；劇中的山豬一改前作中的暴躁，在《夜夜夜麻2：驚異派對》中反而話不太多，就是一個例子。我覺得山豬這個角色之所以會在《夜夜夜麻2：驚異派對》中再度出現，其實是有一點從另一個角度來看小馬、大牛、阿城這三個五年級生，究竟是怎麼面對他們的人生？（所以山豬才會從一開始就一直在吧台底下靜靜聽著）而舞台上那可以看到翼幕後的反光景片、那一對吧台前的燈光、那兩個每個角色「倒帶」時就會旋轉的圓輪、甚至於在左右舞台兩旁的監視用monitor，都讓我覺得好像兩隻眼睛，一直盯著場上發生的一切；而讓我覺得五年級的宿命，似乎並不在於他們所經歷的學運或者面臨的事物，而是他們一直處在一種被別人「關切」的狀態下；當一個人的actual self（真實的我－沒有偽裝的我），和ideal self（理想的我－我希望成為什麼樣的人）以及social self（社會的我－別人對我是怎麼樣的看法）有所衝突的時候，真的一個不小心，就很容易從「卡位」變成「卡住」了。而換一個角度來說，這個難題或許並不只存在於五年級，而很可能在任何一個年級出現不是嗎？（就如同劇中山豬也有屬於他的問題一樣）…角色倒帶的畫面，的的確確的讓我想到了「卡帶」這回事，也不禁讓人覺得：關於五年級的宿命，是不是一直的在發生？就像某句話說的：「人類在歷史當中唯一學到的東西，就是什麼都學不到。」關於我們的人生、我們遭遇到的難題，不正如舞台上所發生的，一再的重複，一再的倒帶，一再的上演不是嗎？…我不知道這些訊息，是不是原本就是編導想要透過《夜夜夜麻2：驚異派對》的演出所傳達的，但是針對周慧玲在整個畫面上的調度、說故事的方法、以及演員的調性安排和能量的調節上，我覺得整體上來說是的確不錯的。
　
　　順著前面一段，談到演員及角色的部份。在這齣戲裡，雖然演員們的表現在《夜夜夜麻2：驚異派對》當中，並沒有太多搶眼的演出，可是整體上來說，我覺得表現還是相當不錯的。基本上《夜夜夜麻2：驚異派對》這齣戲，我會覺得有一點是在看《夜夜夜麻2：驚異派對》這個劇本在舞台上是怎麼表現，以及看當中的台詞和語言性，而不是在觀看演員們的演技。而演員們的表現，我會覺得他們在戲當中，比較像是在扮演一個類似推手的角色，而讓《夜夜夜麻2：驚異派對》有一股力量，讓整個故事平穩往前走，並且在舞台上呈現出來；在這一點上，我覺得演員們的表現是很不錯的。茲就每個演員的表現，在下面說一說我的感覺：
　
　　劉亮佐(阿斗) 飾 山豬：
　
　　雖然山豬是打著前作《夜夜夜麻》的閃亮旗幟，可是我覺得在《夜夜夜麻2：驚異派對》裡，山豬在前作中的莽撞和衝動似乎已經不見了；但，話雖如此，我覺得這種角色特性，也就是山豬轉變之後的角色特性，在《夜夜夜麻2：驚異派對》當中，其實是OK的。我相信當山豬躲在右舞台吧台旁，雙手在胸前叉腰聽著五年級的大牛、阿城、小馬之間的對話和衝突時，自己似乎也同時在思考著關於自己的處境。在《夜夜夜麻2：驚異派對》當中，我覺得山豬的角色，倒有點像是一個「對照組」，觀眾眼中看到的大牛、阿城、小馬，以及觀眾透過山豬的眼睛去看到的他們三個人，我覺得是有所不同的。其實，我覺得山豬在《夜夜夜麻2：驚異派對》當中，已經不是主角之一，而是從另一個不同的角度來看這些五年級的角色…另外，劉亮佐在山豬這個角色的處理上，雖然山豬和前作中似乎已有些不同，可是我卻覺得這個改變在劇中是合理的；而劉亮佐在處理《夜夜夜麻2：驚異派對》當中的山豬（而不是《夜夜夜麻》的山豬）上，整體來說，我覺得還是不錯的。
　
　　黃士偉 飾 阿城：
　
　　阿城這個角色在扮演上其實有一定的難度，因為阿城的角色特性，本來就是屬於比較溫吞的角色。而黃士偉自然的演技，我個人是覺得很喜歡並且覺得很舒服的；針對阿城這個剛從國外歸國、蓄勢待發的角色，我看到了黃士偉在阿城這個角色上，除了外表的溫文儒雅外，還多了一種內在蘊藏著的能量。因此，雖然阿城這個角色在本質上就不是那麼的搶眼，可是我卻覺得黃士偉的阿城角色，在舞台上所散發出來的光並不會輸給其他的人，感覺也的確蠻不錯的。
　
　　徐華謙 飾 小馬：
　
　　在徐華謙的部份，我則覺得在「小馬」這個角色的安排以及調度上，似乎有點「失焦」；簡單的來說，我從徐華謙的表演當中，看不出來「小馬」是個什麼樣的人。如果把劇中三個五年級的角色放在一起來看，阿城是初返國蓄勢待發（一種由原點出發正準備往上衝的狀態），大牛是政商關係良好且八面玲瓏的人（一種雖上下輕微晃動但仍持續前進的狀態），而小馬則是失去了工作的一個失意記者（有某種力量把它往下拉的狀態）；在阿城和大牛的角色特性以及線條上，我們都可以輕易的看的很清楚，可是關於小馬這個角色的部份，我則覺得一直很糢糊，而沒有和阿城及大牛之間，形成一種相呼應或對比的關係。我覺得在「小馬」這個角色的塑形方面，其實可以做的更完整，並且還有很多的發展可能性和空間。
　
　　吳世偉 飾 大牛：
　
　　吳世偉所飾演的大牛，是我在這齣戲裡面最喜歡的角色（及演員）。雖然在一些小段落裡，我會看不到一些比較明顯的角色心理狀態的轉換（如大牛回到酒吧跟阿城攤牌時，當他回到酒吧時，我看不到他在和別人開會然後得知阿城影響到自己的case，那種憤怒以及驚訝的情緒，以及他在來酒吧的路上究竟是什麼樣的心情的過程）。可是整體說來，吳世偉所演出的大牛，在整個角色的特性和脈絡上都很清楚！或許大牛這個角色在劇本中本來就是一個比較八面玲瓏且完整的角色，可是吳世偉在大牛這個角色上的安排，我個人是覺得很完整並且很棒的。
　
　　最後，針對《夜夜夜麻2：驚異派對》的舞台設計，我想要特別提出來說一下。以往的舞台空間，總是只侷現於舞台上的空間，關於翼幕的後面，是怎麼樣也不能被觀眾看到的部份（否則等著被舞監釘死…）。可是這一次的鏡牆設計，卻讓舞台空間得以延伸，而讓觀眾能夠透過另一種視角（透過鏡牆）看到舞台以外的空間（翼幕後方）；更何況，在那些空間裡還有「戲」的存在呢！在這個部份，我很佩服舞台設計王孟超的巧思，讓舞台擁有了另外一種的可能性；在這一點上，我是覺得很不錯的。
　
　　整體說來，我蠻喜歡《夜夜夜麻2：驚異派對》的表現；整齣戲從各部門組成的完成度上來看，我覺得是相當不錯的。《夜夜夜麻2：驚異派對》是一齣很完整的戲，雖然進場時我著實為了劇場內的空座位數而嚇了一跳，但是仍無損我對於《夜夜夜麻2：驚異派對》的優良評價；因為一齣不錯的戲，是不會因為觀眾的人數少，而感到寂寞的。
　
　
劇名：《夜夜夜麻2：驚異派對》
日期：2003/11/21
時間：7:30
地點：新舞台
團體：創作社　

　　首先，我必須承認，當我看到創作社選擇“幾米”作為創作的體材時，我是一則以喜一則以憂的；喜的是，幾米是國內頗有名的繪本作家，雖然我不是幾米的fans（我是那種在書店看到幾米的新書，會拿起來翻一翻，也覺得還不錯，但是卻一本也不會收藏或買回去的人～^^|||），但是對於這樣子的繪本作品，能夠以另外一種型式呈現，總是一件好事！但，我憂的是，任何一種的創作（不管是幾米繪本的“美術”領域，或者任何一種戲劇、音樂、舞蹈等），用另外一種形勢來呈現時，勢必面臨種種的問題。不管是原文本的精神是不是應該被保留？應該以原本作品的精神再“延伸發展”？還是以原作品的精神為底，發展出另外一套東西？在轉換的過程當中，要考慮的東西很多，而轉換之後，觀眾接受的程度有多少？更是一個難以捉摸的問題！因此，當創作社選擇了“幾米”作為創作的體裁，並且加入一些歌手參與演出，雖然在票房以及觀眾結構的考量上，能夠吸引更多的非劇場固定觀眾進入劇場，卻也在在說明了在創作時，一定將面臨各種元素在整合上的難度。
　　在多年前，我曾經看過創作社的創團作－《夜夜夜麻》，那時候就對黎煥雄的作品印象深刻；因為，不同於其他導演的作品，黎導的作品給我的感覺，有強烈的影像風格以及ＭＴＶ的感覺；說實話，我蠻喜歡這樣的作品風格，因為，那是一種藉於寫實和非寫實之類的風格（可以稱之為“魔幻寫實”嗎？^^|||），給人的感覺，很舒服。可是，今天回到《幾米－地下鐵》這齣音樂劇來說，我卻覺得，這種風格並沒有很成功的在《幾米－地下鐵》當中被運用．．．當然！我必須先說明一件事；就是在我的觀念裡，我並不覺得一個導演只能用“某種特定的方式”去導他的戲。站在觀眾的立場來說，我只很現實的要求一件事，就是“我才不管你用什麼導演手法，你只要讓戲好看，什麼樣的手法我都可以接受”！只是，在這齣戲來說，我覺得在導演的部份，其實有很大的問題存在；包括究竟導演究竟想要藉由《幾米－地下鐵》來說什麼？以及各個部門和演員之間的調度和畫面的安排，都有很大的談論餘地。
　　首先，我必須先承認，就我的感覺來說，我是不喜歡《幾米－地下鐵》這齣音樂劇的。而我覺得之所以不喜歡這齣戲的原因，是因為導演在這齣戲很多地方並沒有安排的很好。首先，我想先談在一齣戲裡，我會先去看的一個東西，就是“導演究竟要藉由這齣戲說什麼？”今天導演要面對的是“幾米”的作品，那麼，導演是要如同劇名的“地下鐵”標題一樣，以幾米的“地下鐵”作品為主，將“地下鐵“的作品重新賦與（或忠實呈現）其裡面豐富的想像空間？還是只是用”地下鐵“的概念，去訴說其他的東西？又，甚至於是用”地下鐵“為軸，串起幾米的所有的作品？但是在這齣戲裡，我真的不知道黎煥雄究竟要告訴觀眾什麼？究竟要帶我們往哪個方向去走？在戲裡面，所使用的佈景圖片並不是只有”地下鐵“而已，像有一幕”眾多路燈並排“的畫面是出自”月亮忘記了“，有一個滿是人群的畫面是出自”向左走向右走“（這些也是我在看完戲後，到書店去翻書後才曉得的）；所以，似乎導演想講的不只是”地下鐵“這部作品？而也有涉及到幾米的其他概念？（於是一些幾米的書名也變成了台詞：如”月亮忘記了，他會記得嗎？“之類的．．．）然後劇裡又提到了”卡夫卡“之類的題材（很抱歉，我對卡夫卡不熟，所以不贅訴）。整齣戲給我的感覺，似乎是導演把很多很多自己覺得不錯（但實際層面上可能也不錯）的素材（幾米的所有繪本材料、卡夫卡、詩般的文字．．．）全部加在一起；可是這樣子處理的結果，也就是把所有很好的東西加在一起，最後所呈現出來的成果並不見得就是好東西！就像一個火鍋裡，把所有好吃的東西（芒果冰、甜不辣、鹹酥雞、黑嘉麗、蚵仔煎．．．）加到火鍋裡的結果，你能夠說這鍋東西是”好吃“的嗎？（如果您是在用餐時間看到這一段，請原諒～^^|||）
　　所以，在使用的素材上面，我實在不知道黎導究竟想要藉由這齣戲說什麼？尤其對我而言，我並不是幾米的fans，會走進劇場看《幾米－地下鐵》，純粹只是因為愛“看戲”而已。而在這齣戲裡，我覺得黎煥雄似乎已經做了一個假設：假設所有的觀眾都已經很熟悉幾米的作品內容，或者很熟悉“地下鐵”這本作品。事實上，在“賦予新生命”這件事上，黎煥雄的確讓原本的“地下鐵”賦予了一些新的生命；當我看完戲，在書店翻閱“地下鐵”時，我不禁要佩服黎煥雄將第一頁那個進入地下鐵的天使比擬成“媽媽”的巧思。但是，這種處理方法，在這齣戲中有兩個問題存在：第一，沒有看過“地下鐵”繪本的觀眾，根本不會知道有這一層意思存在（而且如果真的要這樣處理，我真的覺得這齣戲的事前宣傳工作，應該要先充份告知觀眾“進場前請務必熟悉幾米的地下鐵”的觀眾需知；或者告訴觀眾，如果沒看過幾米作品的人“看戲後果請自負”之類的）。第二，事實上這種作法，在劇中並沒有受到很充份的運用（當然或許有！可是站在我的立場來說，由於我對幾米的作品不熟，所以我感受不到．．．．．）我曾經在思考，副標題的“一場音樂的旅程”究竟是什麼？究竟這個所謂的“音樂的旅程”，是要讓“音樂”帶領著我們去體驗一趟一趟的“旅程”，還是要讓“音樂”變成“旅程”上的風景？（畢竟這是齣“音樂劇”）～可是，直到劇終，我只覺得我經歷了一趟很“亂”的旅程．．．．．
　　我深深的相信，在《幾米－地下鐵》的觀眾席中，一定有些朋友是因為“幾米”而初次走進劇場的；事實上，我很羨慕這些朋友，因為我深深的相信這些朋友在這齣戲裡面看到的東西，一定會比我看到的多！可是，對幾米的東西不熟，難道是我的錯嗎？難道我在看《李爾王》或《哈姆雷特》時就要先去搞懂莎士比亞這個人嗎？難道我看《夜夜夜麻》就得要先去認識紀蔚然（《夜夜夜麻》編劇）的作品風格嗎？如果要用“地下鐵”來做比喻，黎煥雄就像是司機，而我們就是乘客；但是在看了今晚的演出之後，我必須說：我根本不知道這班列車究竟帶我們經歷了哪些地方？並且終點站是哪裡？在看完戲後，我的腦海中就像在劇中驚鴻一瞥出現的那個勾子一樣，充滿著問號；我在看戲時，一直都很要求一件事情，就是作戲者所做出來的戲，一定要讓觀眾“看懂”。這個所謂的“看懂”，並不是單指劇情要多麼的白話，要多麼容易讓觀眾知道劇情在講什麼；這個“看懂”可能是知道這齣戲在講什麼，可能是心裡面有所感受到一些東西（心看懂了），可是回到《幾米－地下鐵》這齣戲來說，我看不到導演究竟要藉由這齣戲來說什麼？
　　另外，我想要提出一個在這齣戲裡佔了很重要的地位，但卻沒有辦法在戲中充分呈現出來的東西，就是“文字”；如果有買節目單的朋友，應該可以看到在節目單裡，有寫著這齣戲裡所有歌曲的“歌詞”。事實上，在《幾米－地下鐵》這齣戲裡，有很多的東西是存在於“歌詞”裡面；在這些歌詞的運用上，可以感受到黎導似乎運用這些詩一般的歌詞，去訴說關於這齣戲的某些意味。但是，有幾個因素，造成這些歌詞其實並沒有發揮原本應有的作用（雖然歌本身的確很好聽，可是如果我們只是要聽“歌”的話，或許不應該買票進劇場）。首先，《幾米－地下鐵》是一齣“音樂劇”，而一齣“音樂劇”的重點，當然是在“音樂”，哪麼，歌詞呢？歌詞是不是也算是“音樂”的全部？還是只是讓歌可以被順利“唱出來”的工具而已；“音樂劇”畢竟不像綠光劇團或果陀劇團早年所做的“歌舞劇”，在歌舞劇的設定下，歌詞往往會採用一種對話的型式，或者在抒發某種情感，是在“主”的部份。而音樂劇的話，因為我們重視的是音樂好不好聽，因此歌詞的部份，反而就會被忽略．．．當然！其實這沒有一定，又有誰說“音樂劇”就一定要怎樣怎樣呢？可是回到《幾米－地下鐵》來看，這些詩化的歌詞，原本對觀眾而言就不是很容易吸收，如果再加上音樂，對觀眾而言更是有一定的難度（這就好像我們聽周杰倫的歌，他的歌的確不錯聽！歌詞也很有意境！（由其是方文山的部份）；可是，你聽他的歌，能聽懂他的歌詞在講什麼嗎？）。加上參與這齣戲的演員們，並沒有用一種統一的方式來唱每一首歌（演員的部份容我後敘），導致這齣戲在文字的部份，由其在歌曲方面的表現，並沒有發揮原本應該有的效果；這點我是覺得滿可惜的。
　　再來，我想提到演員的部份；這裡我想談到的，並不是“演員表現”的部份，而是談到導演在調度演員安排時所做的處理。事實上，在《幾米－地下鐵》開始進行宣傳的一段時間後，加入了一些“歌手”型的演員；或許有些劇場的老觀眾，在聽到這樣子的訊息時，難免會擔心這些比較沒有舞台劇經驗的人加入之後，會不會影響戲的進行？坦白說，一開始我也會有相同的疑慮；可是，其實仔細想一想，雖然這些人並非專業的舞台劇演員，但事實上，很多時候所謂的“專業舞台劇演員”演的戲，也不見得就一定是齣好戲呀！所以，對於所謂的“明星參加舞台劇演出”的作法，我其實是持保留開放態度的；我不管一個劇團今天加入一些明星的演出，究竟是希望吸引更多的票房？還是參與演出的明星真的有不為人知的實力存在？我覺得一切的是非成敗，到了幕起幕落的那一刻，到了演出的時候，是全部都呈現在觀眾面前的；好就是好，不好就是不好，這是很直接的。可是，我發現這齣戲最大的問題，並不是演員的問題（演員個人表現的部份容我後敘），而是在“演員統一性”上的問題。誠如大家所知，《幾米－地下鐵》是一齣“音樂劇”，因此，在音樂的部份，尤其是歌唱的部份，變的格外的重要；可是，在這齣戲裡，我卻發現到在音樂的協調性上是不夠的！我這裡所指的是，每一個人都使用自己慣用並且好聽的唱法來唱每一首歌，可是當每個人的歌聲都很好聽時，並不代表這些歌聲加在一起就很好聽！（就像我前面提到的“暗黑鍋”的例子一樣：也就是那個把所有好吃的東西加一起的火鍋．．．．．）陳綺貞唱歌好不好聽？當然好聽！而且光只是唸一個英文的one,two,three.four.five，都好聽的嚇人，都聽的到音樂的律動．．．梁小衛厲不厲害？當然厲害！一出聲，讓人覺得台灣的聲樂界有很強的人存在（我對聲樂界不熟）．．．黃心心的歌聽起來舒不舒服？當然舒服！她的歌聲和唱法是我覺得比較有“戲”的味道存在的．．．黃俊銘的聲音驚不驚人？當然驚人！讓人不禁認為他北藝大音樂研究所畢業的出身，竟然跑去做記者？！實在有些可惜．．．．．可是！重點來了！！！陳綺貞的歌手唱法，梁小衛的聲樂唱法，黃心心的戲劇情感唱法，黃俊銘的學院唱法，全部此起彼落的出現在《幾米－地下鐵》裡，卻沒有一種統一的唱法；你能夠想像如果在《歌劇魅影》裡，如果突然有人用的唱法是西洋流行音樂的唱法，那種感覺是多麼的“怪”嗎？其實，如果真的要讓一齣音樂劇裡面的眾演員們，每個人各自用各自喜歡的唱法，也不是不可以，可是，我卻覺得那樣性質的作品，或許應該只能夠稱作“演唱會”，而不能夠稱之為“音樂劇”。而在《幾米－地下鐵》裡，我想黎導所想要做的東西，並不是只据限於“演唱會”那麼簡單，而有更多更多的東西應該被呈現．．．所以，我覺得在演員歌唱部份的安排調度上，其實黎導安排的並不是很好，還有進步的空間。
　　另外，在技術的部份，我有一種很強烈的感覺，就是各個部門之間的協調性並不是很好；理論上來說，一齣戲（不管是一般的舞台劇、音樂劇、歌舞劇，甚至於任何一種劇）的形成，在技術的部份，絕對是由燈光、音樂、舞台等各個部份合作，而構成戲的整體，絕對不是各自走各自的（除非戲的宗旨是以“實驗各個部門各走各的”為出發點）；而在《幾米－地下鐵》當中，我卻覺得各部份之間的協調並不是很好。倒不是說舞台或燈光的“技術”部份很差，而是在畫面上的調度，我感覺各個部門之間並沒有達到一個很完整的協調度；這個部份，當然還是在談黎導在畫面上的調度，我不知道是不是因為我的座位的緣故（我買800元的票，坐在一樓後排的旁邊），所以導致我看的畫面並不是完全的鏡框式舞台；可是排除掉座位因素的影響，我覺得台上各個技術元素的調校，並沒有達到一個很平衡而且很和諧的狀態；原本應該是各個技術層面的元素，構成黎導腦海中的《幾米－地下鐵》，然後呈現在觀眾的面前，可是，我卻覺得在這齣戲裡，舞台上的各個元素，始終是獨立的個體，而沒有形成《幾米－地下鐵》這齣戲“畫面”的整體．．．．．
　　講到這裡，有相當大的篇幅在談“導演”的部份；我必須承認，在我的感覺，我之所以不喜歡《幾米－地下鐵》這齣戲的原因，有很大的成份是因為導演的因素。在一齣戲裡面，導演的地位往往被視為是最高的；可是，這也代表著一齣戲出來的是非成敗好壞，導演要負最大的責任．．．雖然以一個看戲多年的觀眾而言，其實可以從許多地方了解到《幾米－地下鐵》這齣戲在製作上的難度是多麼的大！包括來自各領域的各式各樣的演員、要如何把幾米那龐大的想像世界搬到舞台上、如何在有限的預算中創造無限的可能、如何在一個根本就是大型劇場的場地做一齣應該是比較屬於小劇場型式的戲．．．等。製作人石佩玉在節目單裡“預算要九成才打平”的言論，更說明了《幾米－地下鐵》這齣戲是背負著多麼大的票房壓力！（更何況只在台北演出，區區幾個場次要讓收支打平更是困難．．．）可是，我必須說，這些都是“情感“考量的成份，雖然我很深刻的了解做一齣戲是多麼的不容易（我也曾經參與過商業劇場的製作），可是這並不能說服我去看不見一齣戲的缺失；在《幾米－地下鐵》中，在創作的部份，有很多很多東西是黎導沒有處理的很好的，這點是我對《幾米－地下鐵》這齣音樂劇，最主要的一個很深刻也很強烈的感覺.．．．黎導，要再加油唷！！！^_^|||
　　再來，提到其他的部份。首先我要提到演員的部份；在這裡提到的“演員”部份，我會把重心放在“演員”在舞台上呈現的能量，以及身為劇中的一份子的表現來談（而不會去談演員究竟“唱”的怎麼樣；因為一來我對於歌唱的技巧部份並不熟悉，二來前面在導演的部份已經針對“唱”的部份來談演員的表現，所以在此不再贅述）。就我的感覺，整齣戲裡約80%的能量，是集中在徐堰鈴和Fa的身上（尤其是徐堰鈴）！雖然我並不是第一次看徐堰鈴的戲，但是她深厚的小劇場功力仍然在這齣戲裡面呈現！（雖然我覺得實在有點大材小用…:P）徐堰鈴的功力是無庸置疑的。至於Fa．．．聽說有Fa這個人已經很久，但是一直到《幾米－地下鐵》這齣戲，才感受到他的功力；相對於徐堰鈴在台上發散的能量，Fa的能量是比較內斂的。但是Fa只要一開口講話，是可以感受到他內在的那種強大力量，導致他外在所表現出來的動作或者語言很有“味道“，的確是蠻不錯的！徐堰鈴和Fa的傑出表現，其實是可以拿出來討論的，就是”在這麼樣一齣應該是以幾米或導演意念為主“的戲裡，當演員的表現太過於傑出時，是不是會破壞一齣戲的”整體感“？其實，徐堰鈴和Fa的表現，我覺得在這齣戲裡是相當盡責以及相當負責任的！只是我總覺得，這齣《幾米－地下鐵》真正最”完整“的狀態，應該是讓觀眾看到戲的整體，而不是看到戲裡面的一兩個演員特別的突出！當然這一切，其實又牽涉到一個更深的議題，就是當戲的整體面並沒有很完整，而演員又是不同領域的成員時，身為當中的某一個演員，究竟應該要如何自處？（究竟要讓自己的表現做到最好且突出？還是成為戲的一部份？）這個部份，我想應該是導演要和演員要再研究討論的部份．．．．．當然！我很喜歡徐堰鈴和Fa的部份，也很喜歡陳綺貞、黃心心、黃俊銘等人在歌唱部份的表現；只是，我覺得不管是導演對於演員之間的平衡調整，以及演員個人的表演方式，都是還有再調整的必要以及空間的！
　　再來提到燈光的部份；其實，我不是很喜歡燈光的部份。在這個部份，我比較覺得奇怪且不喜歡的，是因為在這齣戲裡，燈光的運用似乎只停留在“照明”的部份；之所以這麼說，並不是說這齣戲沒有任何的燈光變化或者設計！而是當我看《幾米－地下鐵》時，由於這齣戲是音樂劇，理所當然的會有舞蹈的動作；可是，我竟然看到燈光在打燈時，舞者的影子竟然落在舞者的後方而清晰可見！在“影子”的這個部份，我覺得對舞台的魔幻感難免有一些殺傷力；如果今天這些影子的設定，是為了要產生一種魔幻或夢幻的感覺，我可以接受影子的存在。但是就我的感覺而言，影子的出現，實在是破壞了我在看戲時，舞台上帶給我的畫面．．．其實我對《幾米－地下鐵》裡的燈光，並沒有什麼特別討厭或者挑剔的，但是這個部份是我覺得可以再加強以及修正的。
　　在舞台的部份，其實沒有什麼大問題。首先，我要先說，我很喜歡那個“乾涸”的游泳池的設計！這個設計不但讓戲劇院裡，原本是用來放樂隊的“樂池”幻化成游泳池外，更讓原本是鏡框式的平面舞台，突破鏡框給人的觀感而向外延伸！當看到樂池變成游泳池時，的確讓我發出會心的一笑；這個部份的設計是很不錯的。不過，另一個部份的設計，就是在舞台上使用平台及軌道的方式，其實我不是很喜歡；雖然我知道這樣子的設計，有一點在呼應“地下鐵”這個主題，並且試圖做到製作人石佩玉在節目單裡所說的“如果真的有地下鐵車廂在舞台上開進來多好？”的想法。可是，當這個軌道的運用是把它當成“列車”來使用時，是ＯＫ的，可是一旦將該移動平台做為其他用途時，例如一些景物或者圖像的呈現，則會覺得有些奇怪；因為該移動平台和上舞台（舞台後方）及下舞台（舞台前方）之間是有“空隙”的，而且平台和上下舞台之間的關係並不是緊密結合在一起，而是分離的，因此造成一個情形，就是當移動平台是當列車來使用時，這個空隙和分離感是ＯＫ的（就和我們所熟知的，現實生活的“地下鐵”一樣），可是一旦這個平台是讓其他的景物浮現時，那個空隙卻會讓我很清楚的意識到那是個“移動的平台”，而讓我從原本舞台上的夢幻意象抽出，而去意識到技術層面的東西。在移動平台的運用及設計上，我覺得是可以再去思考的．．．
　　最後，談到聽覺的部份，也就是音樂和音效的部份（音樂和音效是不同的唷！）我先從音樂的部份談起，也就是這齣“音樂劇”的歌曲，以及所有出現的和運用的音樂．．．其實，我覺得在這個部份，也就是針對“音樂”的部份，《幾米－地下鐵》這齣戲的確是沒有什麼好挑剔的；大部份的演員都俱備了一定的歌唱功力，加上這齣戲裡面的歌曲的確都寫的不錯！我一直到劇終了，走出劇院之時，“生命的月台”的歌曲弦律，還一直在我的腦海中盤旋．．．可是我比較有意見的，是在技術層面，也就是音響設備的部份；並不是說《幾米－地下鐵》的音響很爛或怎樣，而是在某些時候，“音樂”和“歌聲”的層次感讓人感覺並沒有存在於同一層次；也就是說，感覺“歌聲”和“音樂”並沒有合而為一，成為“歌曲”。我不知道是不是因為我坐的位置不好（我坐在一樓後排的兩側），並沒有位於整個音場的中央，導致聽到的聲音會有一些影響；我相信因為位置的關係對聲音傳達上造成的影響，一定會有！只是，如果以音樂和音響的技術層面上來說，最極致的作法應該讓身處在劇院裡的每一個人，不管在觀眾席的那一個角落，都能夠聽到最完整的聲音；這點是我覺得《幾米－地下鐵》這齣戲在音響及音樂的傳達上面，所能夠再去努力的。另外，還想要再提出來說的，就是“音效”的部份；我印象很深刻的，就是在這齣戲裡面，有使用到“地下鐵”的聲音。可是，我相信常搭捷運的人，一定都對這段聲音很深刻也很熟悉；因為那根本是台北捷運的聲音呀！（包括列車起步的聲音、車門快關時響起的提醒警示音等．．．）我並不是說不能夠用台北捷運的聲音放在《幾米－地下鐵》的戲裡，事實上，如果想到“地下鐵的聲音”，在台灣的我們想到的，不是捷運的聲音，就是火車的聲音．．．可是，我必須要說的是，當這樣子大家所熟悉的“現實生活”的聲音，被放在一齣應該是“充滿想像力的魔幻環境”的戲裡時，我必須要說，這個“捷運”聲音，硬生生的讓我從原本夢幻意境的舞台上抽離！然後回到了現實的生活（可能回到了某個搭捷運的moment．．．之類的）。在這個部份的音效的運用，我覺得是可以再去考慮以及斟酌的。
　　講了這麼多，其實整體說起來，我是不喜歡《幾米－地下鐵》這齣音樂劇的。雖然我知道這齣戲在製作上絕對有一定的難度，可是如果純粹從一個觀眾的立場來出發的話，我覺得當我買了票進劇場之後，《幾米－地下鐵》並沒有給予我相對應該有的回饋．．．不過，我相信，《幾米－地下鐵》對創作社而言，在歷年來的製作當中，絕對是空前且難得的一次經驗！我希望這一次《幾米－地下鐵》的演出之後，能夠帶給這齣戲不管是幕前幕後的工作人員，或者行政層面的人員，都能夠從中學習到一些寶貴的經驗，並且把這些經驗，運用在往後的創作社的作品，讓創作社往後的作品能夠越來越成熟，越來越精準，也越來越成功！
　
　
劇名：幾米地下鐵－一個音樂的旅程
日期：2003.7.26
地點：國家戲劇院
演出：創作社

家驊去看了一張床四人睡．．．．．．．
又是很久以前的事情了～～～>___<
好啦．．．我承認我很偷懶．．．．．
但是說真的，這部戲真的要想久一點才可以了解其中的一些故事含意～
剛看完時，其實對這部戲有點不太滿意．．．接受不到這齣戲到底要傳達給觀眾什麼樣的訊息以及意念～本來以為是劇本以及導演的問題，但是翻了翻在衝動之下買的劇本（真的是一時衝動之下買的，而且劇本還沒有紀老師的簽名！>_<），才發現似乎劇本本身就是這個樣子，因為紀老師似乎向來所寫的劇本就是如此的平實以及自然，有些東西似乎是埋在很深層底處的（只是從劇本當中，我感受不太到紀老師所要呈現的毀滅與救贖以及一些理念～）；劇本本身所要講的東西，我覺得不太能夠感受的到，整個劇情讓我感受不到太多東西，倒是一張床四人睡的英文劇名－death of kiss，我覺得是一個非常關鍵的keyword～因為這四個人就是因為一個吻而決裂，因為一個吻而毀滅．．．．．只是從劇本本身感受不太到紀老師想講的毀滅與救贖的feeling，而有些東西－例如性愛的東西似乎講的太明了，並非不能接受演員在舞台上大剌剌的談論著性與愛的道理，只是．．．似乎有點說教意味過重？看文本時總感覺文本（也就是使用文字的方式）沒有什麼問題，但是一旦呈現在舞台上，就變的很奇怪．．．．．
但是還是覺得問題比較大的是出在導演的部份，一直覺得導演的手法和這部戲不太搭；並非無法接受黎煥雄那種如同詩一般（我是覺得有點像如同幻境般的ＭＴＶ）的導演手法；事實上，我很喜歡在：【夜夜夜麻】中，黎煥雄那種手法，但是和夜夜夜麻感覺上就很合，但是在一張床中就．．．．．有一種很強烈的不搭感！好像是為了呈現出這是黎煥雄導的戲而刻意的加了一些東西－例如旋轉的床或者拿著投影機朝觀眾席兩旁射出影像（雖然是蠻炫的啦！但是．．．）而換景的人員穿著服務生的制服也很不能理解；本來在前面時，由於場景是分成左右兩塊，一塊是金士傑和強哥的區塊（ＰＵＢ），一塊是安娜和徐角的區塊（咖啡廳），更換場景的人員穿著服務生的制服，我那時候的感覺還蠻合的．．．．．但是在後段有一幕四個人在台上說話的戲時，本來都是很寫實、很富有感情的在描述著事情，但是突然之間（真的是很突然）服務生就闖進來！整個感覺真的都破壞掉了！！！常常有戲連不起來的感覺．．．令我有一點覺得這戲要講的毀滅與救贖的觀念傳達不出來，反而觀眾看戲時的FEELING被毀滅了！！！>___<
就演員的部份來談談好了．．．．．
金士傑－老齊
基本上沒有什麼太大的問題，整體上的感覺都還可以．．．也都還不錯！不過就是戲的味道有點太平順了一點．．．不知道是不是因為劇情本身就是這個樣子．．．感受不太到金士傑這個角色的內心世界．．．覺得很平順的感覺！！！
趙自強－小剛
強哥的表現很不錯哦！！！很自然，而且也給人一種豐富感，而且也不再給人一種趙自強只有耍寶的戲才演的好的感覺！充分的發揮了一些內在的東西．．．而不再只是單純的耍寶笑鬧．．．尤其是有的時候縱使強哥是在耍寶搞笑，可是有時候在其中郤有著那麼一點淡淡的哀傷感．．．那種感覺很直接的射到內心去。而結束前的獨白更是真的很棒！！！那幾句老齊．．．老齊．．．更是喊到觀眾的心裡去了！感覺上這齣戲裡，強哥的東西比較沉殿，縱使在喧鬧中仍然有一片沈靜的空間．．．很不錯！
阮文萍－安娜
很隨性的演出．．．但不知道是不是因為太隨性了，所以出了一些小槌（似乎有點對於演出不夠專心的FEELING～）在銓釋這個角色感覺上也有點怪怪的．．．感覺上這個角色好像沒有什麼感情？讓人似乎預料到安娜和小剛的分手似乎是意料中的事．．．也不會為了他們的分手感到悲傷或婉惜．．．．．
徐婉瑩－徐角
總覺得很不自然；而且覺得聲音的形已經定了！就好像在廣播節目中的ＤＪ一樣，聲音的音質和語調都是聽起來最舒服最好聽的最佳狀態，可是一旦要他們自然的說話，似乎也改不太過來．．．總覺得徐婉瑩的演出在聲音的部份似乎陷入了一個框框，很制式的唸台詞方法．．．聽了就覺得很怪～但是抱著小剛哭泣的那一段就還不錯！FEELING比較有抓到．．．．．但是其他的就．．．
至於在其他的部份，似乎蠻多人喜歡這次的燈光？！但我對這次的燈光並沒啥特殊的感覺．．．只覺得還好．．．倒是很喜歡這次的舞台！舞台給人一種強烈的崩壞感以及毀滅感，任意拆卸組合的舞台，似乎象徵著他們的感情從小小的一個裂縫（KISS?）擴大造成整個建築物（四個人的關係）倒蹋的情形．．．感覺上真的很棒！^_^
基本上不是很喜歡這齣戲，看完後覺得接收不到導演以及劇本所想要傳達的東西～難道只是在講他們四個人因為一個吻而決裂的故事嗎？如果是這樣子也就算了，最令我感到BORING的是導演手法和劇本本身強烈的不搭感！！！似乎沒有融合在一起，而是一種互相對立的狀態．．．．．．．
另外想要提的一件事情是：節目單似乎賣的太貴了一點耶！！！１２０元一本．．．內容也並沒有說很多（雖然強哥那封信真的讓我有很多的FEELING～），但是現在一般的劇團賣節目單的行情頂多１００元．．．當然並非說不能賣超過１２０元，只是希望賣貴要有理由，要讓觀眾覺得多花１２０元值得．．．我是個每齣戲都會買節目單的人，雖然我也買了，可是這本節目單給我的感覺是：”也沒有多特別嘛！為什麼賣的比別人貴？”（而且還蠻薄的耶～內容也不多．．．），我想其實創作社可以考慮一下以後節目單的價錢是不是．．．嗯？
每一齣創作社的戲都看過，【夜夜夜麻】很不錯！【ＫＩＫＩ漫遊世界】也很棒！但是這一次的【一張床四人睡】則讓我有一點小小的失望．．．．．
家驊的一點小意見．．．．．^______^