只要有心，人人都是劇評

　　《歌德浮士德》是台北藝術大學2008年夏季公演的劇碼，並請來資深劇場人鴻鴻，擔任劇本改編以及導演的工作。

　　坦白說，我對原著歌德的《浮士德》並不熟悉，在看戲之前，還一度擔心自己無法理解台上所發生的一切。所幸，此一版本的《歌德浮士德》，在說故事的方式上算是相當的平易近人。《歌德浮士德》這齣戲，有著濃厚的「故事」味道，搭配在舞台設計上所展現的變化多端，讓人能夠很輕易的就了解整齣《歌德浮士德》故事的來龍去脈，而非在欣賞之後，會對演出內容有種艱澀難懂的狀態。

　　我最喜歡的橋段，要算是梅菲斯特在與浮士德簽訂契約之後，為了完成浮士德的要求而疲於奔命的橋段。這樣的描寫讓梅菲斯特在個性上多了些許人性的味道，讓原本的「魔鬼」有了更多層次的表現，就這個部份來說，是相當令我喜歡的。

　　除此之外，《歌德浮士德》的舞台設計也是相當值得玩味的一部份。雖然走進劇場看到舞台時，和我事先所預想的舞台有些不太一樣。演出前的宣傳新聞稿，在舞台部份的描述，總讓人覺得舞台將會呈現某種雕梁畫棟的「華麗」風。見到舞台之後，與其稱其為華麗，還不如說是「變化多端」。舞台設計、燈光及投影的配合，讓場上呈現出許多不同氛圍的場景，不管是陰冷灰暗的浮士德書齋、冷冽科幻的靈魂實驗室、抑或是富麗堂皇卻充滿腐敗味的皇室建築，都在設計者的巧思之下，營造出舞台上屬於劇場獨有的魔幻氛圍。

　　只是，縱使《歌德浮士德》擁有著這些優點，我對這劇的評價，仍然是貶大於褒的。在技術層面上，舞台設計的表現已不在話下。光影戲在技術上不成熟，導致舞台上該出現的詩化氛圍並不夠完整，使人彷彿看到技術人員在幕後用不熟練的方式「操作」這些光影的實際情況之情形，也尚在能夠接受的範圍。但最讓我無法接受的，反而不是技術層面的不足，而是回歸到「人」的本質，一齣戲最原始的元素，在演員以及導演部份所呈現出的不完滿。

　　前文曾經提到，《歌德浮士德》一劇呈現出某種強烈的「故事」氛圍，但這「故事」裡的每個「角色」，其內在的血肉與情感是相當不足的。從表演層面上來看，坐在觀眾席的我，總覺得這些演員所呈現出來的狀態是不夠專注的，這樣的情形讓每個角色的形塑過程無法被完整建立。雖然隨著戲的進行，到後面的幾場戲時，演員像是逐漸醒了過來一般，開始有些改善，但整體表現實在沒達到一場售票演出應該有的水準（即便這是個學生製作）。我不知道這和自己所觀看的是下午的場次是否有關，「首演」和「下午場」一向是劇場界最容易表現不佳的「魔鬼場」，或許因為生理時鐘或其他因素導致這樣的場次容易表現不佳，可是我卻看不到演員在面對這樣的「魔鬼場次」時更想要「奮力一搏」的自我覺悟。似乎某些演員在被魔鬼（場）擊倒之前，自己就被自己擊倒了。而我在看完這場戲時，也只覺得自己似乎看了一場真的有魔鬼（梅菲斯特？）出現在舞台上的「魔鬼場」。

　　除了這樣的問題外，《歌德浮士德》裡面所出現的每個角色，在情感與人性互動上的不足，是另外一個嚴重的問題。我不知道這究竟是演員的問題亦或是導演的安排，但這樣的情形卻讓場上的每個角色徒有外在的裝扮與造型，而缺少了內在的血肉甚至是靈魂，整個原本應該動人的故事，也變得難以令人信服。於是，當主角浮士德說出那些對海倫的「迷戀」或做出對愛情「雀躍」動作的同時，台上所呈現屬於這個角色的一切，看來更像是演員在重現排練了無數次的動作一般。原本應該充滿情感的話語像是在背台詞，那些因為愛情而雀躍轉圈的動作，看起來更像是那種「到這個點轉兩圈然後說下一句台詞」的照本宣科。類似的情形在許多演員的身上都看得到，尤其以主角浮士德最為明顯。這樣的情形讓《歌德浮士德》角色的內在顯得過於空洞，而難以讓觀眾對角色產生共鳴。

　　這樣的情形，讓許多導演安排的許多表現手法，像是大臣們的禿頭與裸露，亦或是外籍兵團的大舉入侵等等，終究只流於一種表象的呈現，而缺少了往更深一層探究的可能性。雖然從「符號學」的角度的確可以用相當大的篇幅來敘述單就「符號」本身的含意，但在《歌德浮士德》當中，這些符號的厚度並沒有隨著戲的呈現而被建立。換言之，導演當然可以用禿頭與裸露來呈現某種屬於皇室的腐敗氣息，也可以用諸如麥當勞叔叔的傭兵打扮來描述關於外來文化的侵略，可是當這些符號或表現手法在劇場（甚至是其他不同領域）已經被用到過度泛濫時，導演是否能夠藉由這些表現手法帶出背後更深厚的討論，而不是讓所有的一切只停留在表象的部份？這些屬於「技術」層面的安排，是否能夠帶出關於背後的討論甚至是省思？很可惜的，在《歌德浮士德》裡是看不到的。太多信手捻來的安排，讓《歌德浮士德》裡許多的安排，像是天邊流星般一閃即逝，還沒來得及看清楚，便消失在天際，連想尋找其蹤跡與去處，都不知該如何找起。

　　這樣的情形，讓我在看完《歌德浮士德》的當下，其實是有些生氣的。坦白說，我感受不到導演對《歌德浮士德》這齣戲每個討論的議題的重視與深入，或者在進行每一個安排之餘，那應該反覆進行的自我思考與取捨。我當然明白做一齣戲需要多大的心力交悴，尤其是導演這個職位。可是在《歌德浮士德》裡，實在太多那種「這個地方我們就這樣搞吧」的安排。最讓我感到無法接受的部份，要算是劇中浮士德為了建立理想國而拆除小屋的故事段落，在《歌德浮士德》裡，硬是毫不掩飾的把劇中那理想國的名字取為「樂生」。說真的，當下在劇場看到這段戲時，我是很想起身掉頭離開的。我已經有好長的一段時間，沒有在劇場裡有這種感覺了。並不是不能夠將社會議題融入戲劇之中，身為觀眾的我，絕對歡迎創作者用各式各樣的素材來做為自己作品的養份，只是在《歌德浮士德》中，那理想國的名字叫做「樂生」，然後老夫婦的小屋被拆掉是為了完成那充滿理想的樂生國，和現實生活中樂生療養院被拆除的事件的確很相像。但，然後呢？

　　很抱歉，在《歌德浮士德》當中所帶給我的感受僅止於此，看起來太像是創作者處理到這個段落時突然有所感，覺得這個片段和樂生事件很像，於是大筆一揮就把理想國的名字就取之為樂生。這樣的結果讓原本應該可以從「樂生事件」出發，亦或討論關於「犧牲小我完成大我」議題的可能性頓時徹底的被窄化，根本沒有什麼討論的空間，這種天外飛來一筆式的安排，也實在無法形成某種力道，讓議題能夠充份的被討論。這種摸摸頭式的議題關懷，實在讓人不敢恭維。

　　不是不能夠借古諷今，創作者也不是不能夠在閱讀文本之餘，將自己所感受到的社會現象或事件寫入文本之中。我絕對同意創作者將樂生事件作為創作的素材，但你究竟要藉由這樣的安排說些什麼，又要如何處理議題呢？在表演藝術雜誌185期（2008年5月號），關於《歌德浮士德》的訪問報導裡，鴻鴻曾直言自己「期待藉《浮士德》，將更多現實議題收進劇場的胃納」、「劇場應該容納更多面向，關於世界議題的探討更豐富、展現人性的更多層次跟變化」。可是很諷刺的是，這樣的做法終究只是讓現實議題成為劇場消化不良的元兇罷了，或許作者的本意是好的，但這樣輕忽的作法終究讓原本應該能夠討論或被關心的議題，用一種極其膚淺的方式被處理掉了，甚至讓花錢買票坐在觀眾席的我有種被汙辱的感覺。你要讓觀眾感受到河豚的美味沒有關係，可是把整隻膨脹的刺河豚放在盤上然後就這樣端上桌，你要觀眾如何下嚥？

　　我很肯定導演在說故事時的那種娓娓道來，可是在表現手法的運用以及操作上，是否可以再多些更深層的思考？《歌德浮士德》有許多需要改進的部份，即便這是一場「售票」演出，我都能夠說服自己許多的不完美，是來自於「學生製作」體質在某些層面上本來就會有所不足，但我卻沒想到，連導演的思維都宛如學生一般不夠細膩。關心社會事件或把對現實的感受融入作品中並非不行，但是否能夠再多些思考與反覆推敲的過程？不夠細膩的結果，終究使劇中的許多議題看來像是被「消費」，而無法拿來被「討論」甚至引起「關心」。或許導演的本意是好的，但這樣草率的處理手法，終究還是讓導演宛如《歌德浮士德》裡的歌德一般，是「欲善卻成惡」了。

■ 觀戲資料 ■
劇名：《歌德浮士德》
團體：國立台北藝術大學戲劇學院（2008夏季公演）
日期：2008/5/24
時間：PM2:30
地點：國立台北藝術大學展演藝術中心戲劇廳
票價：360元